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Walsh Library
Gallery Voces y Visiones
Highlights from
El Museo del Barrio’s Permanent Collection
The Taíno |
Los taínos | Ceramics |
Tools | Santos de Palo
| Day of the Dead
The Taíno — whom Columbus
encountered when he arrived in the Caribbean in The concept of "center" as sacred space pervades every aspect of Taíno art and culture. Artist adorned figures with circular motifs, often concentrating on the naval area, where the soul connected to the cosmos. Chiefs wore belts with linear motifs, which encircled the body and sheltered the soul. The Taíno probably believed that the universe was protected by an invisible web of geometric patterns. Like most pre-Columbian societies, the Taíno perceived the earth as a flat disc, pierced at the center by a supernatural hole, or conduit. An imaginary ceiba (silk cotton) tree filled this space and connected the heavens to the watery depths of the underworld. Each day, the setting sun flipped the underworld upward to become the night sky, but the earthly plane and its sacred center remained stationary. The Taíno’s secular and sacred objects include an extraordinary assortment of expressive forms: stone and wood, sculpture, ceramics, shell and bone jewelry, weaving, and feather work, as well as traditions of dance, music, and poetry. Their legacy endures today not only in the ethnic heritage of the Caribbean people, but also in Arawak words, such as barbecue, canoe, hammock, maize, yuca, cacique, maraca and hurricane; in customs related to ancient traditions of weaving, hunting, and fishing, music and dance; and in cuisine based on yuca, beans, soups, and barbecued meats and fish.
Los taínos, con los que
Colón se encontró a su llegada al Caribe, en La idea del “centro” como espacio sagrado permea todos los aspectos del arte y la cultura taínos. Los artistas decoraban sus figuras con adornos circulares, concentrándose a menudo en la región del ombligo, donde el alma se conectaba con el cosmos. Los caciques usaban cinturones con adornos lineales, que ceñían el cuerpo y protegían el alma. Es probable que los taínos creyesen que el universo estaba protegido por una red invisible de diseños geométricos. Como la mayoría de los pueblos precolombinos, los taínos creían que la tierra era un disco plano, con un hueco o conducto sobrenatural en el centro. Una ceiba imaginaria llenaba ese espacio central, conectando los cielos con las profundidades acuáticas del inframundo. Todos los días, el sol poniente empujaba hacia arriba al inframundo, que se convertía así en cielo nocturno, mientras que el plano terrestre, con su centro sagrado, permanecía inmóvil. Una gama extraordinaria de formas expresivas caracteriza los objetos seculares y sagrados de los taínos: piedra y madera, escultura, cerámica, joyas de concha y hueso, tejidos y artesanía con plumas, así como tradiciones de danza, música y poesía. La herencia taína pervive en la actualidad no sólo en la composición étnica de los pueblos caribeños, sino también en palabras aruacas como barbacoa, canoa, hamaca, maíz, yuca, cacique, maraca y huracán; en costumbres relacionadas con las antiguas tradiciones de tejido, caza y pesca, música y danza; y en una cocina basada en la yuca, los frijoles, las sopas y la carne y el pescado a la barbacoa.
Taíno culture, Dominican
Republic Taíno culture, Dominican
Republic
Taíno culture, Greater
Antilles
Taíno culture, Greater
Antilles
The Taíno decorated their
most humble domestic bowls, as well as ceremonial vessels, with geometric
patterns or animals important to their cosmology. Owls, bats, frogs, and other
animals that moved from one realm to another (day to night, land to water)
figured prominently in their worldview. Boat-shaped vessels with
three-dimensional handles, usually depicting a bat’s face, were a hallmark of
Taíno ceramics. Called adornos, the handles face each other across bowl
rims in a kind of mirror imagery. The Taíno used a coil construction method,
fusing the concentric circles with fingers and tools, and carving in fine
detail. Ceramics were then fired in groups in large open pits.
Cerámica Los taínos decoraban sus
más humildes tazones domésticos tanto como sus vasijas ceremoniales con diseños
geométricos o figuras de animales importantes de su cosmología. Lechuzas,
murciélagos, ranas y otros animales que transitaban de una esfera a otra (del
día a la noche, de la tierra al agua) desempeñaban un papel importante en el
concepto del mundo que tenían los taínos. Uno de los sellos distintivos de la
cerámica taína eran las vasijas en forma de bote con asas tridimensionales
generalmente en forma de cara de murciélago. Estas asas, que se denominan
adornos, situadas una frente a la otra a cada extremo de la vasija, eran
como imágenes en un espejo. Los taínos utilizaban el método del enrollado,
fusionando los círculos concéntricos con los dedos o con herramientas y tallando
entonces los detalles con gran refinamiento. Las vasijas de cerámica se cocían
luego en grupos, en grandes hoyos abiertos en el suelo. Pre-Taíno culture,
Dominican Republic
Double-headed ax (Hacha doble) Stone Anonymous gift, PC
Anonymous gift, PC
Taíno Culture
Taíno Culture, Greater
Antilles
ca. Stone knives and axes were both tools and weapons. Petaloid axes—stone celts hafted into wooden handles—were used to clear land, carve canoes, and other wooden objects, and to cut manioc roots. Wood was fashioned into a variety of articles including spears used in hunting and warfare. Herramientas Los cuchillos y las hachas de piedra eran tanto herramientas como armas. Las hachas petaloides (cabezas de hacha de piedra unidas a mangos de madera) se utilizaban para despejar tierras, tallar canoas y otros objetos de madera y cortar las raíces de la yuca. La madera se utilizaba para fabricar toda una gama de artículos, entre ellos las lanzas para la caza y la guerra. Taíno Culture, Dominican Republic ca.
Bartolomé de las Casas
(Born
Imitation of Theodaore de
Bry (born
Juan Sánchez
Héctor Mendez Caratini
Born Hector Méndez-Caratini was born in San Juan, Puerto Rico, in 1949. He studied at Boston University, The University of Puerto Rico, and Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y del Caribe. Méndez-Caratini has dedicated his talents to photographing important aspects of the Taíno, Afro-Caribbean and Spanish Colonial heritage of Puerto Rico and the Dominican Republic. These photographs depict drawings by the Taíno which they carved into river-side boulders in Puerto Rico.
Héctor
Méndez-Caratini nació en San Juan, Puerto Rico, en
“Boriken” is the Taíno word
for the island of Puerto Rico; turn-of-the-century nationalists called
themselves Borinqueño/a. In the late Nitza Tufiño was born in 1949 in Mexico City, Mexico, and raised in Puerto Rico, the home of her father, Rafael Tufiño, the renowned artist. An artist, educator, and activist, she was instrumental during the early years of El Museo del Barrio and Taller Boricua (The Puerto Rican Print Workshop), both located in El Barrio, New York. In both her prints and public commissions, Tufiño frequently employs Taíno motifs.
Los taínos llamaban
“Boriken” a la isla de Puerto Rico. Los nacionalistas puertorriqueños de fines
del siglo XIX se autodenominaron borinqueños y borinqueñas. A fines del
decenio de
Nitza Tufiño nació en
Ciudad de México en
The devotion to saints, and
the art of painting and sculpting them, was introduced to large areas of South,
Central and North America, the Caribbean and the Philippines by Spanish
colonizers. In the
El Museo del Barrio’s
collection of santos de palo, second only to the Vidal Collection
of The Smithsonian Institution, is composed primarily of examples from Puerto
Rico, created by traditional carvers, or santeros, who worked in rural,
pre-industrial areas between
The worn appearance of the
saints attest to their use: in their former lives, they resided in household
altars, usually consisting of a shelf perched in a corner of a room, a small
niche, or a lace-covered side table. They intermingled with other santos
and colorful prints of religious subjects, miscellaneous photographs and family
mementos. In such domestic altars, santos were bestowed with countless
prayers and surrounded by
candles and flowers.
The devotion to santos
also became popular among practitioners of Spiritism, a religion emerging in
the mid nineteenth century France that came to Puerto Rico soon
afterwards through Spain and France. They also became popular among
practitioners of Orisha Worship or Santería, a religion of African Yoruba
roots.
Santos de palo La devoción a los santos y el arte de
pintarlos y esculpirlos fue introducido en gran parte de Sudamérica,
Centroamérica y Norteamérica, el Caribe y las Filipinas por los colonizadores
españoles. En el siglo XVI, el clero español utilizó la escultura polícroma y la
pintura como instrumentos para convertir al catolicismo a las poblaciones
indígenas de esas regiones y para mantener la fe de los colonizadores españoles.
La colección de santos de
palo de El Museo del Barrio, superada en importancia sólo por la
Colección Vidal de la Smithsonian Institution, consiste principalmente de
ejemplares procedentes de Puerto Rico, creados por talladores tradicionales o santeros, que trabajaron en zonas rurales, preindustriales, de La apariencia desgastada de los santos da fe de su uso: en tiempos pasados, residían en altares domésticos, que generalmente consistían en una repisa encaramada en un rincón de la habitación, un nicho pequeño o una mesita cubierta de encaje. Allí se entremezclaban con otros santos y con láminas religiosas en colores y diversas fotografías y recuerdos familiares. En aquellos altares domésticos, se les ofrecían innumerables plegarias a los santos, rodeados de velas y flores. Para los creyentes, los santos de palo eran mucho más que simples íconos. Eran objetos en los que estaba incrustado el espíritu del santo, el cual se podía invocar mediante la devoción y la plegaria. Para los practicantes del catolicismo popular, los santos son intermediarios entre el cielo y la tierra que pueden comunicarse con Dios en beneficio de sus devotos. Los creyentes le piden al santo, por ejemplo, que ayude a curar una enfermedad, consuele, impida una catástrofe o les conceda algún otro tipo de bienestar físico o sicológico a ellos o a sus seres queridos. El poder del santo, a su vez, reside en su capacidad de conceder los favores o milagros que se le piden. Los devotos tienen el deber de mantener al santo satisfecho mediante actos de devoción y el reconocimiento público de cuanto favor reciban de aquél.
La devoción a los santos
también se popularizó entre los practicantes del espiritismo, una religión que
surgió en Francia a mediados del siglo XIX y que llegó a Puerto Rico poco
después, directamente o desde España. Se popularizó asimismo entre los
practicantes de la santería o culto de los orishas, una religión con raíces
yoruba africanas.
Norberto Cedeño Symbolizing the All-Powerful Hand of Christ, the figures on the fingers can vary, but usually represent St. Anne; her husband, St. Joachim; their daughter, the Virgin Mary; her husband, St. Joseph; and the Child Jesus. Jesus is on the thumb because it is believed that without the thumb the rest of the hand would be useless.
Símbolo de la Mano Poderosa
de Cristo. Las figuras en sus dedos varían, pero generalmente representan a
Santa Ana, a su esposo, San Joaquín, a su hija, la Virgen María, al esposo de
ésta, San José, y al Niño Jesús. Éste último aparece en el pulgar porque se cree
que sin éste la mano no funcionaría.
Unknown artist from Puerto
Rico
Los Tres Reyes (The
Three Kings)
Late Frequently represented among the many santos de palo of Puerto Rico, these legendary figures are described in the New Testament as the magi who came from afar following a radiant star to find and celebrate baby Jesus, who they believed was to be the future king of Israel. Estas figuras legendarias aparecen con frecuencia entre los muchos santos de palo de Puerto Rico. Son los Reyes Magos que, según el Nuevo Testamento, viajaron desde tierras lejanas en pos de una estrella luminosa hasta encontrar y festejar al Niño Jesús, que creían habría de ser el futuro rey de Israel.
Attributed to Groupo Cabán
Active
Attributed to Groupo Cabán
Nacimiento (The
Nativity)
mid This image eloquently illustrates the close relationship between believers and their saints. The simplest versions of Puerto Rican folk nativity scenes include the Infant Jesus, Mary, Joseph, and a rooster perched on a pole. However, the artist also included two Puerto Rican peasants, or jíbaros, in their characteristic white shirts and pants and praprá hats. This way, the craftsman is representing himself, the peasant artist, as a participant in the celebration of Jesus’ birth. Esta imagen ilustra con elocuencia la íntima relación entre los creyentes y sus santos. En las versiones más sencillas del nacimiento popular puertorriqueño aparecen el Niño Jesús, María, José y un gallo posado en una estaca. Aquí el artista también ha incluido a dos campesinos puertorriqueños o jíbaros, con sus típicos pantalones y camisas blancos y sus sombreros “praprá”. De esta manera, el artesano se ha representado a sí mismo, el artista campesino, como participante en los festejos del nacimiento de Jesús.
Unknown artist from Puerto
Rico
Las Tres Marias (The
Three Marys)
No date available
Painted Wood
Fully assembled:
Attributed to Domingo Rojas
Umata, Moca, Puerto Rico
Virgin de Montserrate
(Our Lady of Monerrat)
Late One of the most revered images in Puerto Rico, she is the patroness of Catalonia (Spain) and is often represented as a dark-skinned woman with a light-skinned child. Her cult gained extraordinary momentum with a miracle she bestowed on a basket maker in Puerto Rico.
La imagen de la patrona de
Cataluña es una de las más veneradas en Puerto Rico. Se la representa a menudo
como una mujer de tez oscura acompañada de un niño de tez blanca. El culto de
esta Virgen cobró un auge extraordinario en Puerto Rico luego de un milagro que
se dice le concedió a un tejedor de canastas local.
Unknown artist from Puerto
Rico
San Antonio de Padua
(Saint Anthony of Padua)
Early
A household saint said to
be a finder of lost objects, protector against fires, bearer of news from absent
families and the patron of lovers. He is also a favorite saint among unwed
women, who believe he can help them find a husband.
Santo doméstico que se dice
encuentra objetos perdidos, protege contra el fuego, trae noticias de familiares
ausentes y es el patrón de los enamorados. Es también un santo popular entre las
mujeres solteras, que creen que puede ayudarlas a conseguir marido.
Unknown artist from Chile
Santa de Vestir
Victor Irlanda
Corozal, Puerto Rico
San Blas (Saint Blaise)
Patron of sick cattle and wool combers, he is also is invoked against diseases of the throat, due to a legend where he saved a boy from choking on a fishbone. The medal of St. Blaise is tied with a ribbon around a person’s neck, and is believed to revive a person who has drowned or suffocated.
Santo patrón del ganado
enfermo y de los cardadores de lana. También se le invoca contra las
enfermedades de la garganta, debido a una leyenda que dice que le salvó la vida
a un niño que se estaba atragantando con una espina de pescado. La medalla de
San Blas, que se amarra con una cinta alrededor del cuello de la persona, se
cree que revivirá al que se haya ahogado o asfixiado.
Norberto Cedeño
Domingo Orta
Ponce, Puerto Rico
San Lázaro (Saint
Lazarus)
The patron of housewives, lepers and church employees, he is represented as an old emaciated man walking with crutches, wearing only a loincloth, his body and legs covered with sores. His faithful dog licks his sores to ease his pain, and accompanies him. In recent years, those suffering with AIDS have also invoked St. Lazarus. Patrón de las amas de casa, los leprosos y los empleados de iglesia. Se le representa como un viejo enflaquecido que camina con muletas, viste sólo un taparrabos y tiene el cuerpo entero, sobre todo las piernas, cubierto de llagas. Lo acompaña su fiel perro, que le lame las llagas para aliviar su sufrimiento. En años recientes, quienes padecen de SIDA han invocado a San Lázaro.
Unknown artist
Arcángel San Rafael
(Archangel Rafael)
Late
Attributed to Grupo Cabán
Active
Unidentified artist
Chile
Standing figure of
female saint (Figure de santa de pie)
Unidentified artist
Puerto Rico
San Ramón Nonatos
(Saint Raymond Nonnatus)
Late
Unidentified artist
Guatemala
Niño de Atocha (The Holy
Child of Atocha)
Rafael Tufiño
Born
Lorenzo Homar
Born Unknown artist from Mexico
This Virgin is the most
important of the Mexican depictions of The Virgin Mary. The appearance of Our
Lady of Guadalupe at Mount Tepeyac, Mexico, in
Unknown artists from Puerto
Rico, Mexico and Peru
Ex-votos,
late
Born Día de los Muertos (Day of the Dead)
November Ofrendas at the altars consist of food, drink, and other supplies to aid the dead in their journey through what is believed to be nine underground passages. A successful journey through these passages leads to a final resting place. Prayers are offered, and reminiscences about the deceased both hearten and appease them as the family picnics at the grave. Altars are baroque, abundant, and vivid, brimming with both ephemeral and more permanent ofrendas. Traditional offerings include marigolds and flower arrangements, candles, incense, fruit (limes, avocados, chayotes), special bread (pan de muerto), marzipan skulls (calaveras de dulce), chocolate bones, roasted corn cobs, photographs, family mementos, hand-crafted papier mâché objects, delicately cut tissue paper patterns (papel picado), and music played on drum and flute. Water, money, liquor, and cigarettes are often also left at the altars.
Los días
Unknown artist
Born Day of the Dead masks most often include snakes protruding from the nose. In ancient times, the snake was associated with water, fertility, and the ancient Aztec god Quetzacoatl, the "feathered serpent." The inclusion of such a fertility symbol within a context permeated by death suggests that the cycle of life is intimately bound to death and is, therefore, also celebrated during this holiday. The mouth is often omitted from Day of the Dead masks, implying that the dead cannot speak. However, Day of the Dead masks vary widely in visual iconography and dance celebrations. Por las narices de las máscaras del Día de los Muertos casi siempre salen serpientes. En la antigüedad, la serpiente se asociaba al agua, a la fecundidad y al antiguo dios azteca Quetzalcoatl, la “serpiente emplumada”. La inclusión de un símbolo de la fecundidad en este contexto impregnado de muerte hace pensar que el ciclo de la vida está vinculado estrechamente a la muerte y que, por tanto, también se le celebra en estas fechas. A menudo, las máscaras del Día de los Muertos no tienen boca, indicándose así que los muertos no pueden hablar. Sin embargo, la iconografía visual de las máscaras del Día de los Muertos es muy variada, al igual que los bailes en los que se usan.
Linares Family
Mexico
“Day of the Dead” skull
(Calavera del “Dia de los Muertos”)
Late
Unknown artist from Mexico
“Day of the Dead”
figure, “Catalina” (“Catalina” figura de “Dia de los Muertos”)
Late
José Guadalupe Posada
Born
Calavera el gendarme
(The Skeleton Policeman)
ca.
José Guadalupe Posada
Born
José Guadalupe Posada
Born The golden era of Mexican printmaking began during the 1910 Revolution with the broadsides and engravings of José Guadalupe Posada (1852-1913). Posada’s political satire chronicled and critiqued contemporary Mexican life with a homespun humor that was derived from popular songs, and folk art. Skeleton figures, “calaveras,” were a signature feature of his political cartoons, reducing all of Mexican society to a common denominator—death. His “everyman” humor and accessible, graphic style set the tone for subsequent populist art forms in Mexico.
La edad de oro del grabado
mexicano comenzó durante la revolución de Masks, Animals and Transformation
Mexico, Central America,
South America and the Caribbean all have strong native traditions of
mask-making. In Mexico, this reaches back to the Olmecs ( Animal motifs figure as a single element, or in combination with human forms, as in devil masks. The jaguar, a dominant figure, was an ambivalent deity capable of being simultaneously good and evil. Dances depict the jaguar killing domestic animals and being hunted, or picking the first fresh ears of corn and carrying them to the church to be blessed. Many other animals common to Mexican iconography, including bats, lizards, serpents and snakes, also feature dual aspects. As in the Taíno’s cosmic view, the bat’s double nature incorporates both fertility and death. The dark, damp environment surrounding the bat associates it with life‑giving water and fertility, whereas its natural inclination for blood suggests death and sacrifice.
In Puerto Rico,
vejigante masks and costumes also play on duality. These horned creatures
represent both animal and demonic characteristics, whose actions are impish and
free of socially-restrictive customs. These figures come from the tradition of
Carnival, originally a Catholic festival, which thrives throughout the
Caribbean, Brazil, and other places. On the eve of Lent, revelers don costumes
in a manifestation of European celebrations dating back to
Miguel Perez
Puerto Rico
Carnival mask (Máscara
“Vejigante” )
ca.
Miguel Carballo
Ponce, Puerto Rico
Carnival mask (Máscara
“Vejigante” )
ca.
Miguel Angel Carballo
Ponce, Puerto Rico
Carnival mask (Máscara
“Vejigante”)
Unknown artist from Mexico
Dance mask depicting el
diablo (the devil)
ca.
Unknown artist from Mexico
Decorative mask possibly
representing the devil (el diablo)
ca.
Unknown artist from Mexico
Decorative mask
ca.
Unknown artist from
Guerrero, Mexico
Dance mask (Máscara de
festival)—“Negrito”
Ca. 1950
-
Unknown Mexican artist
Decorative mask
depicting man with Asian features
ca.
Unknown artist from Mexico
Decorative mask
depicting a conquistador
ca.
Unknown artist from
Guatemala
Dance mask depicting a
conquistador
ca.
Attributed to Grupo Chatino
from Oaxaca, Mexico
Dance mask in the form of a
jaguar
(Máscara de festival en
forma de jaguar)
ca. 1950-
Unknown artist from Iguala,
Guerrero, Mexico
Decorative mask with jaguar
and bat features
(Máscara decorativa en
forma de jaguar e murcielago)
ca. 1950
-
Unknown artist from Mexico
Dance mask depicting a
crow (cuervo)
ca.
Unknown artist form Mexico
Dance mask depicting a
monkey or “huehue” (old man)
ca,
Unknown artist from Mexico
Dance mask possibly used
for Danza de los manueles (Dance of the
Manueles)
ca.
Ernesto Abrajam
Decorative mask depicting
conquistador in the body of Coatimundi
ca.
Unknown artist from Mexico
Decorative mask depicting
female face in the body of an eagle
ca.
Unidentified artist
Mexico
Mask depicting mermaid
(Máscara representado una sirena)
Painted wood
Unidentified artist
Mexico
Mask depicting the devil
(Máscara representando un Diablo)
Unidentified artist
Mexico
Dance mask depicting the
devil (Máscara de festival representando un Diablo)
Ca. 1950-
Antonio Martorell
Born
Gregorio Marzán
Born
Gregorio Marzán
Born
A self-taught artist who
migrated to New York from Puerto Rico in
Carlos Raquel Rivera
Born
Western African cultures
came to the New World as slaves in the first decades of the In Vodun (an African word for "spirit") practitioners honor a pantheon of spirits, called Loa—which means "mystery" in the Yoruba language. These resemble the Christian saints in that they were people who led exceptional lives, and are usually given a single responsibility or special attribute. Each divinity has a related Christian holy figures or saints, character principals, numbers, colors, emblems, foods and postures associated with them. For example, Elegba (Elegua, or Legba) is associated with Niño de Atocha or St. Anthony of Padua. He is considered a messenger or trickster, his number is three, his colors are red and black, and his emblem is a hooked staff. Thus, modern practitioners have incorporated certain elements of the Christian belief systems thrust upon them centuries ago, as a strategy to avoid conflict maintain avoiding conflict while maintaining the integrity of their own spirituality. In Santería, Candomblé and Vodun, domestic altars—like those made to the Santos— are elaborately decorated with candles, incense, pictures of the Orishas/Christian saints, symbolic items related to the Loa, special plants, offerings of food, etc. In Vodun, beaded and sequined flags, drapeaux, are important objects that are lovingly made. These herald the coming of the spirits, and are intermediaries between two states of being, opening the door to the other world. The veve, a drawing or pattern unique to the Loa, is the basis of the flag. This is a traditional symbol, combined with nationalistic images, Christian iconography, and even Masonic elements. Thus the religion’s traditions allow for personal and specific interpretations and contributions over time. Today, everywhere the African Diaspora has settled, including large cities in North America—such as New York, Miami, New Orleans—the presence of practitioners of these religions can be found. Las culturas del África occidental fueron traídas al Nuevo Mundo por los esclavos en los primeros decenios del siglo XVI. Aunque se les bautizaba a la fuerza en el catolicismo, muchos lograron mantener sus sistemas de creencias, los cuales, con el paso del tiempo, se entremezclaron con los cristianos. En el Caribe de habla española, sobre todo en Cuba, surgió la santería, hoy conocida también como culto de los orishas. En Haití, el vodún ha sido la religión predominante, mientras que en el Brasil, millones de personas practican el candomblé. Esas tres religiones principales, así como sus muchas variaciones, tienen un origen común en el África occidental. Los seguidores de la santería y del candomblé le rinden tributo a un panteón de seres divinos denominados orishas. Los practicantes del vodún reverencian a un panteón de espíritus llamados loas, que significa “misterio” en yoruba. Todos ellos se parecen a los santos cristianos en lo excepcional de sus vidas y en el que se les haya asignado una responsabilidad singular o un atributo especial. Cada deidad está vinculada con una figura sagrada o santo cristiano y tiene su carácter, números, colores, emblemas, alimentos y posturas propios. Por ejemplo, Elegba (Eleguá o Legba) se vincula con el Niño de Atocha o San Antonio de Padua. Se le considera un mensajero o un estafador, su número es el tres, sus colores son el rojo y el negro y su emblema, un garabato o bastón ganchudo. De esta manera, los practicantes modernos de estas religiones han incorporado determinados elementos de los sistemas de creencias cristianos que se les impusieron hace siglos. Ésta ha sido su estrategia para evitar el conflicto y, a la vez, mantener la integridad de su propia espiritualidad. En la santería, el candomblé y el vodún, los altares domésticos, como los que se les hacen a los santos de palo puertorriqueños, se adornan de manera muy elaborada, con velas, incienso, láminas de los orishas/santos cristianos, objetos simbólicos relacionados con las loas, plantas especiales, ofrendas de alimentos y otros elementos. En el vodún, los estandartes de cuentas y lentejuelas (drapeaux) son objetos importantes fabricados con gran esmero y cariño. Dichos estandartes anuncian la llegada de los espíritus y son intermediarios entre dos estados del ser, abriendo la puerta hacia el más allá. El vevé, el dibujo o diseño propio de cada loa, es el elemento esencial de su estandarte. Este símbolo tradicional se combina con imágenes nacionalistas, iconografía cristiana y hasta elementos masónicos. Las tradiciones de esta religión permiten, pues, la incorporación de interpretaciones y aportes personales y específicos con el transcurso del tiempo. En la actualidad hay practicantes de esas religiones dondequiera que se ha asentado la diáspora africana, inclusive en Nueva York, Miami, Nueva Orleans y otras grandes ciudades de Norteamérica.
Antoine Oleyant
Born Oleyant nació en el seno de una familia campesina en Plaisance-du-Sud, un poblado remoto del sur de Haití. En 1971, se mudó a Puerto Príncipe, donde trabajó como aprendiz de escultores en metal y en madera. En 1981, después de una aparición que tuvo en un sueño, empezó a fabricar banderas de lentejuelas. Su muerte prematura a causa de un fulminante ataque al corazón malogró la carrera de quien creó algunos de los estandartes de vodún contemporáneos más cotizadas.
Rubem Valentim
Born Valentim was born in Bahia, Brazil, a state which had the greatest import of African slaves and, therefore, the greatest racial mixture and diversity of tradition, including a predominance of the practice of Candomblé. Valentim, a geometric abstract artist, sought to find in Candomblé’s archetypes the visual vocabulary for his art. This suite of prints uses as its basis the geometric forms of objects used in altars and decorations, the accoutrements of the various deities etc. These have been incorporated into Valentim’s own vigorously original language. Valentim nació en Bahía, el estado brasileño al que se importaron más esclavos africanos y, por consiguiente, el de mayor mezcla racial y tradición más variada, donde predomina la práctica del candomblé. Valentim, un artista abstracto geométrico, trató de hallar en los arquetipos del candomblé el vocabulario visual de su arte. Esta serie de grabados se basa en las formas geométricas de los objetos que se usan en altares y adornos, los atavíos de las diferentes deidades y demás. Valentim ha incorporado estos elementos a su vigoroso lenguaje original.
Historically, art has long
carried political messages. This is especially clear in El Museo del Barrio’s
print collection. Here, the linkage between the Mexican and Puerto Rican print
movements of the
Leading Puerto Rican
artists of the
The models provided by the
Mexican TGP and the Puerto Rican DIVEDCO, CAP, and ICP, inspired both the
Mexican-American/Chicano movements, as well as the Puerto Rican/Nuyorican
movements in the US. In the
A lo largo de la historia,
el arte ha sido portador de mensajes políticos. Esto es obvio, en particular, en
la colección de grabados de El Museo del Barrio. En ella se puede seguir la
trayectoria de los vínculos entre el movimiento de artes gráficas mexicano y el
puertorriqueño en el decenio de
Los artistas
puertorriqueños más destacados del decenio de 1950, entre ellos Lorenzo Homar y Rafael Tufiño, estudiaron con
artistas mexicanos. Otro elemento impulsor de los vigorosos movimientos de
grabado puertorriqueños fue la campaña de enseñanza pública de la División de
Educación de la Comunidad (DIVEDCO,
En los Estados Unidos, los
modelos del TGP mexicano y la DIVEDCO, el CAP y el ICP puertorriqueños,
inspiraron tanto al movimiento mexicano-americano/chicano como al
puertorriqueño/ “nuyorican”. En los decenios de La colección de El Museo del Barrio es rica en grabados políticos de estos grupos. También tiene obras contemporáneas, en otros medios, de artistas caribeños y latinoamericanos que siguen investigando esos temas sociales y políticos.
A Selection from the
portfolio Estampas de la Revolución Mexicana:
Francisco Mora
Born
Two prints from the
portfolio La estampa Puertorriqueña
(The Puerto Rican Print)
Published by Centro de Arte
Puertorriqueño, San Juan
Series of And:
Rafael Tufiño (b
Rafael Tufiño was born in
Brooklyn in Tufiño’s work and iconography depicts important aspects of Puerto Rican identity through the representation of popular traditions of the Island, including secular and religious imagery. Often, it celebrates his own family’s African cultural heritage. He has worked extensively with images of many processions and festivals, the Santeros, and moments from the week-long Loiza Aldea celebration of St. James. Another theme continually explored in his work was dance and music, especially bomba and plena, popular music with roots in Afro-Caribbean rhythms. As well, Tufiño depicts vernacular architecture in Puerto Rico, ranging from colonial Old San Juan and its massive buildings to the rural bohios. Renditions of coffee harvesting, fishing, and farming commemorate the Island’s laborers.
Nació en Brooklyn en La obra e iconografía de Tufiño expresa aspectos importantes de la identidad puertorriqueña mediante la representación de tradiciones populares de la isla, inclusive imágenes seculares y religiosas. A menudo, celebra la herencia cultural africana de su propia familia. El artista ha trabajado ampliamente con imágenes de procesiones y festivales, santeros y determinados aspectos de la fiesta de Santiago Apóstol en Loíza Aldea, la cual dura una semana entera. Otro tema que aborda constantemente en su obra es el de la danza y la música, sobre todo la bomba y plena, un tipo de música popular con raíces rítmicas afrocaribeñas. Tufiño también representa la arquitectura vernácula típica de Puerto Rico, por ejemplo, el Viejo San Juan colonial con sus grandes edificios y los bohíos rurales. Sus imágenes de la cosecha de café, la pesca y la agricultura conmemoran a los trabajadores de la isla.
A selection from the
portfolio, Plenas,
Marcos Dimas
Born El Taller Alma Boricua/The Puerto Rican Workshop was established in El Barrio, East Harlem in 1969—the same year as El Museo del Barrio—by Marcos Dimas, Adrian García, Manuel (Neco) Otero, Armando Soto and Martín Rubio. The founding artists were active in the Art Worker's Coalition, an arts advocacy group. As artist-activists, Taller Boricua members aspired to "take art to the people." In addition to creating posters for everything from protest rallies to poetry readings, members made murals and participated in "traveling exhibitions" that took place on the streets of El Barrio and other city neighborhoods. Early members included Sandra María Esteves, Gilberto Hernández, Martín “Tito” Pérez, Fernando Salicrup, Jorge Soto, Sammy Tanco and Nitza Tufiño, with Rafael Tufiño and Carlos Osorio as the group's senior mentors. Taller Boricua continues to contribute to the cultural vibrancy of El Barrio under the leadership of Fernando Salicrup and Marcos Dimas. The early members were known for their innovative use of neo-Taíno symbols. Taller members felt a responsibility to educate the New York community about traditional Taino art and culture. Taíno-inspired art served as a potent sign of Puerto Rican resilience.
El Taller Alma Boricua fue
establecido en El Barrio, East Harlem, en
A selection from the
portfolio, Plenas,
Antonio Frasconi
Born
Pepón Osorio
Pepón Osorio’s body of works include performance art, sculpture, and other forms of mixed media, but he is best known for his large-scale, elaborate installations that affirm his belief, “more is more.” La Cama combines his baroque visual language, adapted from the aesthetics of working-class Puerto Ricans and Latinos in New York, with a complex, autobiographical narrative. This lavish work is a tribute to the woman who cared for Osorio when he was a child and served as his family’s housekeeper. After her death, Osorio created the work to acknowledge the spiritual riches she gave him, pay a loving farewell to her, and create a vehicle to introduce his wife to her. La obra de Pepón Osorio incluye performance, escultura y otras formas de técnica mixta, pero es mejor conocido por sus complejas instalaciones a gran escala que afirman su convicción de que "más es más." La cama combina un lenguaje visual barroco, derivado de la estética de la clase trabajadora puertorriqueña y latina en Nueva York, con una compleja narrativa autobiográfica. Este profuso trabajo es un tributo a la mujer que cuidó a Osorio cuando era niño y que trabajaba como la ama de llaves de la familia. Después de su muerte, Osorio creó esta obra para reconocer la riqueza espiritual que ella le dio, despidiéndose cariñosamente de ella y creando un vehículo para presentarle a su mujer.
Ester Hernández
The Chicana artist Ester
Hernández created a chilling critique in the image of a Pop art icon, “Sun Mad”
( La artista chicana Ester Hernández formuló una crítica escalofriante con su imagen de un ícono del arte pop, “Sun Mad” (1982). La imagen serigráfica de Hernández resucitó al esqueleto de Posada en los viñedos de California. Con tácticas parecidas al “arte apropiacionista” posmoderno, Hernández utiliza el símbolo comercial del gigante agropecuario Sun Maid como un vehículo para criticar a dicha empresa. Abstraction & Process, Patterning and Worldview Humans have created visual representations that reduce elements in nature to its essential forms, or create abstracted patterns, since our earliest record. Such ways of interpreting the world are widespread in both western and non-western societies to this day. These processes bespeak a desire to create an aesthetic of order, or, to make concrete concepts of cosmological patterns.
El Museo del Barrio’s
collection includes many instances in which abstraction is an important, if not
the prevalent, form of language. This includes works created by artists within
traditional societies, such as the Taíno, Kuna, and Shibipo. In addition,
numerous works created by artists trained in urban industrial centers also
demonstrate the vitality of abstract languages. In El Museo del Barrio’s
collection, a spectrum of approaches that emerged in the late Abstracción y proceso, diseño y cosmovisión Desde tiempos inmemoriales, los seres humanos hemos creado representaciones visuales que reducen los elementos de la naturaleza a sus formas esenciales, o crean diseños abstractos. Esas formas de interpretar la realidad, presentes ya en las creaciones humanas más antiguas que se conocen, están muy difundidas hasta la fecha en todas las sociedades, no sólo la occidental. Esos procesos responden al deseo de crear una estética del orden o de convertir los diseños cosmológicos en ideas concretas. En la colección de El Museo del Barrio figuran muchas piezas en las cuales la abstracción es un lenguaje importante y hasta predominante. Algunas han sido creadas por artistas de sociedades tradicionales, como la taína, la kuna y la shipibo. Otras, por artistas capacitados en los centros urbanos industrializados, cuya abundante producción da fe también de la vitalidad de los lenguajes abstractos. En la colección de El Museo del Barrio está representada toda una gama de enfoques artísticos que surgieron a fines del decenio de
La generación de artistas
surgida a fines del decenio de
Unknown Kuna artist from
San Blas Islands, Panama
Mola
ca. Molas are rectangular multicolored, embroidered panels used on the front and back of shirts. These images are created through a complex, labor-intensive process that utilizes layers of cotton fabric that is cut away to reveal the backdrop. It is believed that this technique is a native interpretation of European textiles. The Kuna, who inhabit Panama and Colombia, created this totally unique textile language that they use to make images of timeless abstract motifs, representations of local flora and fauna, or even contemporary events—such as presidential elections. Molas son paños rectangulares bordados, multicolores, que se usan en la pechera y la espalda de las camisas. Estas imágenes se crean mediante un proceso complejo y laborioso en que se van recortando y superponiendo capas de tela de algodón de modo que se revele el fondo. Se cree que esta técnica es una interpretación autóctona de los textiles europeos. Los kuna, que viven en Panamá y Colombia, crearon este singular lenguaje textil, con el que crean imágenes de diseños abstractos intemporales, representaciones de la flora y la fauna locales y hasta acontecimientos contemporáneos, como las elecciones presidenciales.
Myrna Báez
Born Myrna Baez studied in Puerto Rico, Spain, and New York. An important graphic artist and educator, Baez is well-known for the particular, dissected space she creates in her paintings. The artist’s figures, interiors, and landscapes are abstracted into luminous and intersecting planes that enhance their psychological tension. Myrna Báez estudió en Puerto Rico, España y Nueva York. Destacada artista gráfica y educadora, Báez se distingue por los espacios particulares, minuciosamente analíticos, que crea en sus pinturas. La artista convierte sus figuras, interiores y paisajes en planos abstractos luminosos que se entrecruzan, intensificándose así su tensión sicológica.
Rafael Ferrer
Born
Born in Puerto Rico, Ferrer
re-located to New York in
Nacido en Puerto Rico,
Ferrer se mudó a Nueva York en
Ana Ruth Henriques
Born
Rafael Montañez Ortiz
Born Rafael Montañez Ortiz received his BS and MFA from Pratt Institute in Brooklyn, and his MA and PhD from Columbia University’s Teacher’s College. An artist, educator, and activist, Montañez Ortiz was the first director of El Museo del Barrio, initiated by Puerto Rican artists, educators, parents and activists in El Barrio. Montañez Ortiz, who formulated the idea of “destructivism” prior to 1962, saw it as a creative psychological and physical process that questions euro-centric notions of civilization. After witnessing Montañez Ortiz’s 1966 Self-Destruction performance in London, psychologist Arthur Janov crystallized his idea of “primal scream therapy.” Montañez Ortiz’s fixed work of burnt shoes from El Barrio’s detritus, paper, and earth, directly references the Holocaust while making a broader comment about the peril of children all over the world.
Rafael Montañez Ortiz
recibió su licenciatura y su maestría en arte del Pratt Institute en Brooklyn, y
una maestría y un doctorado en filosofía del Teacher´s College de Columbia
University. Artista, educador y activista, Montañez Ortiz fue el primer director
de El Museo del Barrio, establecido por artistas, educadores, padres de familia
y activistas puertorriqueños de El Barrio. En 1962, Montañez Ortiz ya había
formulado el concepto de “destructivismo”, un proceso creativo, sicológico y
físico que ponía en tela de juicio la idea eurocéntrica de la civilización. La
idea de terapia de grito primal del sicólogo Arthur Janov cuajó a raíz de
presenciar éste en Londres, en 1966, la performance de Montañez Ortiz,
Self-Destruction (Autodestrucción). La “obra fija” de Montañez Ortiz,
hecha de zapatos sacados de basureros de El Barrio, papel y tierra, alude
directamente al Holocausto, a la vez que constituye una reflexión más general
sobre el peligro que corren los niños en el mundo entero.
Rafael Colón Morales
Born
Luis Hernandez Cruz
Born
Rafael Collazo
Born
Unidentified Shipibo artist
Peru
Vessel (Olla),
ca. This large ceramic vessel, used for water storage and fermentation of special drinks, presents delicately painted, red and black lines. This abstract, maze-like design is associated with the Shipibo’s belief in a supernatural entity, the Great World Boa. It is believed that the skin of this snake consolidates all patterns in the world. Esta gran vasija de cerámica, de líneas rojas y negras delicadamente pintadas, se utilizaba para guardar agua y fermentar bebidas especiales. Su diseño abstracto y laberíntico refleja la creencia de los shipibos en la Gran Boa del Mundo, un ser sobrenatural cuya piel creían que contenía todos los diseños del mundo.
Marina Gutiérrez
Puerto Rico
is popularly known as “the Island of enchantment.” However, Gutiérrez’s
appropriation of the phrase as a title for this binary portrait of the island is
an ironic gesture. While the upper half is blanketed in stereotypical images of
Puerto Rico’s allurements, such as tropical fauna, sandy beaches, folk
musicians, sugarcane cutters and docile mulatta females, the lower half depicts
the island marred by industrial waste and military interventions. Drawing a
feminist parallel to the experiences of women and the island as a whole,
Gutiérrez also refers to the sterilization one-third of the Island’s women
between the Puerto Rico es conocida como la "isla del encanto." Sin embargo, la apropiación que Gutiérrez hace de esta frase como título de este retrato binario de la isla es un gesto irónico. Aunque la mitad superior está envuelta en imágenes estereotipadas de los encantos de Puerto Rico, tales como la fauna tropical, playas de arena fina, músicos populares, cortadores de caña y dóciles mulatas, la parte inferior, por el contrario, muestra a la isla deteriorada por desechos industriales e intervenciones militares. En un paralelo feminista a la experiencia de las mujeres y de la isla en su totalidad, Gutiérrez también se refiere a la esterilización de la tercera parte de las mujeres de la isla, realizada entre 1940 y principios de los años setenta.
Arnaldo Roche-Rabell
Born The self-portraits of Roche-Rabell reflect the cultural dislocation of Puerto Ricans. While Latin American in culture, they are citizens of the United States. As well, Puerto Rico includes three broad ethnic and racial groupings: Taíno, African and Spanish. As well, Roche investigates issues of sexuality in his explorations of the displacements and tensions of identity. Los autorretratos de Roche-Rabell reflejan la dislocación cultural de los puertorriqueños. Aunque su cultura es latinoamericana, son ciudadanos de los Estados Unidos. En Puerto Rico hay, además, en general, tres grupos étnicos y raciales: el taíno, el africano y el español. En sus investigaciones de los desplazamientos y las tensiones de la identidad, Roche aborda también temas relacionados con la sexualidad.
Liliana Porter
Born Liliana Porter studied in Mexico and Buenos Aires. She moved to New York in 1964 and co-founded the New York Graphic Workshop. Her paintings, photographs, installations, and—more recently—films—use inanimate objects, infused with personality, humor, and highlighted by intense color, to create a narrative. This collage refers specifically to the hybrid iconography found on the street that houses El Museo del Barrio, and is exemplifies her ongoing investigation into the relationship between illusion, mimetic representation, and reality. Liliana Porter estudió en México y Buenos Aires. En 1964, se mudó a Nueva York, donde fundó el New York Graphic Workshop (Taller de Gráfica de Nueva York). En sus pinturas, fotografías, instalaciones y, más recientemente, películas, crea narrativas utilizando objetos inanimados, que infunde de personalidad y humor y realza con colores intensos. Este collage alude específicamente a la iconografía híbrida de la calle en la que está situado El Museo del Barrio. Ejemplifica el interés constante de la artista por investigar la relación entre ilusión, representación mimética y realidad.
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Updated:
12/19/06
